Vencê-los em seu próprio jogo: por que o mangá está superando os quadrinhos americanos

por que o mangá está superando os quadrinhos

Vencê-los em seu próprio jogo: por que o mangá está superando os quadrinhos americanos

Atualmente, é dado como certo que a indústria de quadrinhos se tornou um rolo compressor da mídia no mundo ocidental, como evidenciado pela miríade de filmes baseados em heróis de quadrinhos que foram lançados na última década e pela lucratividade excepcional do universo cinematográfico da Marvel . Estima-se que a indústria americana de quadrinhos faturou US $ 1,28 bilhão somente no mercado norte-americano em 2020 . No entanto, verifica-se que a indústria japonesa de mangá é muito mais lucrativa: os criadores e editores japoneses de mangá arrecadaram US $ 5,6 bilhões naquele mesmo ano apenas em seu país de origem.
Koyoharu Gotouge’s Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba (serializado de 2016 a 2020) é um exemplo do grande sucesso do mangá. As vendas desta série – uma aventura histórica de fantasia sombria sobre um jovem chamado Tanjiro Kamado e sua irmã amaldiçoada que vivia no Japão da era Taisho durante o início do século XX – superaram as expectativas em ambos os lados do Pacífico . Embora seja improvável que, como alguns afirmam , esse trabalho sozinho supere toda a indústria mundial de quadrinhos em um único ano, seu sucesso internacional não pode ser ignorado. E a anime também obteve popularidade recorde e crescimento global .

Esse sucesso tem chamado a atenção de criadores e produtores de quadrinhos, principalmente nos Estados Unidos. O veterano escritor de quadrinhos Chuck Dixon, que fez um trabalho prolífico em Batman na década de 1990, não só elogiou o mangá publicamente por sua “ dedicação, paixão e habilidade ”, mas criticou o trabalho recente de alguns de seus colegas produtores de quadrinhos americanos, especialmente a Marvel e DC. Ele e outros caracterizaram o panorama atual dos quadrinhos tradicionais como carente de variedade ou excessivamente politizado e didático. Desacordos de longa data sobre esta questão entre criadores e produtores de quadrinhos americanos recentemente borbulharam à superfície – o que só pode ser vantajoso para os criadores de mangás e animes.

Na década de 1980, muitos no Ocidente temiam que o Japão pudesse vir a dominar o mundo economicamente. Atualmente, muitos ocidentais têm a mesma preocupação em resposta ao crescimento econômico da China . Mas agora, as preocupações ocidentais sobre o domínio japonês estão de volta aos holofotes, pelo menos no mundo da cultura pop, por causa de como o mangá está decididamente superando seus concorrentes americanos. Por que isso está acontecendo, e o que os criadores do mundo ocidental podem aprender com esse desenvolvimento que pode permitir que obtenham um sucesso semelhante?

Diversidade de gêneros
Parte da resposta está no enorme volume e diversidade de temas das criações de mangá. Mangás diferentes são direcionados a públicos diferentes e são formalmente categorizados como Shōnen (meninos), Shōjo (meninas), Seinen (homens adultos) ou Josei (mulheres adultas). Por exemplo, pode-se escolher entre a série familiar Doraemon (serializada desde 1969), a ação obscura de Golgo 13 (serializada desde 1968), o drama pós-apocalíptico 7 Seeds (serializado de 2001 a 2017) e inúmeras obras de ficção científica, como como aqueles produzidos pela franquia Gundam de longa data. Alguns desses são épicos profundamente cativantes comparáveisem escopo e qualidade para Duna de Frank Herbert . Depois, há JoJo’s Bizarre Adventure de Hirohiko Araki (serializado desde 1987), que se tornou notório e influente como resultado de sua natureza destruidora de gênero, bem como várias tiras de humor yonkoma alegres , contos populares de Isekai sobre personagens transportados para outro mundo e dramas ambientado em períodos históricos , como Hokkaido do século XIX . Como resultado dessa variedade, certamente haverá algo para quase qualquer pessoa. Além disso, a maior parte do conteúdo de mangá está disponível em papel de jornal barato, em brochura e – cada vez mais – online, o que o ajuda a atingir um público amplo e mantém os custos de produção baixos.

Outra razão para o sucesso do mangá é que um grande número de editoras e distribuidores diferentes os fornecem – de conglomerados gigantes como Kodansha a casas especializadas e doujinshi da área cinzenta . Em contraste, o conteúdo dos quadrinhos em inglês continua fortemente dominado pela Marvel e pela DC, e eles se concentraram principalmente em super-heróis como Superman ou o Quarteto Fantástico, independentemente de o gênero ser ficção científica, fantasia ou ficção histórica. Além disso, eles tendem a refazer enredos antigos e contar com arcos narrativos muito percorridos ao ponto da fadiga , gerando confusão, se não tédio, entre os fãs. Existem algumas exceções, como o Alias noir-esque de Brian Michael Bendis (em execução de 2001 a 2004), que se tornou a base doJessica Jones , série de TV e algum conteúdo de editoras independentes menores – como a autobiografia ganhadora do Prêmio Pulitzer Maus (em exibição de 1980 a 1991) e The Walking Dead (em exibição de 2003 a 2019).
No entanto, em geral, personagens vestindo capas e spandex continuam sendo o padrão, especialmente na América. Parte disso pode ser um legado do pânico moral dos anos 1950 em relação aos quadrinhos no Ocidente, sintetizado pelo livro Seduction of the Innocent , de 1954 , que argumentava que os quadrinhos eram uma influência moral negativa – levando as editoras da época a estabelecer um self voluntário – código de censura conhecido como Comics Code Authority . Como resultado, apenas alguns gêneros sobreviveram . (Embora o mangá japonês não seja estranho à crítica moralista, ele nunca teve que enfrentar esse tipo de controle.)

Apropriação cultural bem feita
Outra razão para o sucesso do manga é que surgiu durante um período em que havia muito interesse por conteúdos produzidos por outras culturas que não a sua. Este não é apenas um fenômeno moderno. O meio dos quadrinhos se originou em livros ilustrados produzidos nos séculos XII e XIII e , após a Restauração Meiji, os artistas japoneses começaram a se inspirar mais em fontes estrangeiras tão variadas quanto a Art Nouveau francesa e os primeiros desenhos animados e quadrinhos de jornais americanos. Mas o interesse dos criadores japoneses pela cultura estrangeira se acelerou após a Segunda Guerra Mundial, quando pedaços da cultura pop anglo se tornaram prontamente disponíveis no Japão. Artistas de mangá como Osamu Tezuka (1928–1989) estavam entre os inspirados por pulps e Disney, e encontraram maneiras de reimaginá-los para um público diferente, por meio de obras como Astro Boy (serializado de 1952 a 1968) . Os esforços desses primeiros artistas não apenas deram ao mangá – e ao anime – uma estética reconhecível, mas também estabeleceram um precedente para o mangaká posterior . Por exemplo, a franquia Dragon Ball inspirou-se em Journey to the West e na ficção científica ocidental; as obras de Kaoru Moricombinar um toque feminino distinto com uma compreensão profunda da Grã-Bretanha vitoriana e da Ásia Central; e My Hero Academia (serializado desde 2014) é tanto uma carta de amor para super-heróis americanos clássicos quanto uma versão distintamente japonesa deles.

Algumas das contrapartes americanas desses artistas adotaram uma abordagem semelhante ao longo das décadas. A Marvel e a DC não hesitaram em introduzir personagens e conceitos não europeus. Os exemplos incluem a ode Immortal Iron Fist às artes marciais chinesas, Black Panther (o primeiro super-herói africano), o futurístico Anasazi Dawnstar e Craig Thompson’s Habibi (2011) (que é permeado por motivos islâmicos e do Oriente Médio, embora Thompson não seja nenhum dos dois Oriente Médio nem o próprio muçulmano).
Nos últimos anos, no entanto, a prática de admirar e se inspirar em outras culturas passou a ser estigmatizada em alguns círculos como apropriação cultural, a ser vista como problemática e de alguma forma opressora das minorias – um exercício de poder sobre elas. Aqueles que têm essa visão condenam o uso de idéias de outras culturas, independentemente de como os membros dessas culturas se sentem a respeito. A ideia deles parece ser que apenas aqueles que possuem a cultura têm o direito de retratá-la. Qualquer um que desrespeite esse princípio corre o risco de incorrer na ira de um determinado grupo de ativistas. Previsivelmente, isso sufocou a criatividade – um problema que se tornou o elefante na sala.

Hiperpolitização
Quando a ficção explora a política hoje, o esforço é recebido em certos círculos com desprezo intenso e divisionista. Mas a ficção sempre explorou questões políticas e os quadrinhos não são exceção. Por exemplo, no início, Stan Lee usou as façanhas de super-heróis da Marvel como um veículo para lidar com questões sociais: ele criou alegorias dos X-Men sobre intolerância e direitos civis e um arco narrativo do Homem – Aranha sobre o uso de drogas na década de 1970, mesmo quando significava que ele era indo contra a Autoridade do Código de Quadrinhos . E o mangá não evita explorar questões políticas. Por exemplo, o autobiográfico Barefoot Gen (serializado de 1973 a 1987), que cobre o bombardeio de Hiroshima e suas consequências, não tem vergonha de transmitir as opiniões esquerdistas de seu autor. Enquanto isso, muito barulho foi feito sobre o conteúdo mais recente, como Gate: Assim, a Força de Autodefesa Japonesa Lutou Lá (serializado desde 2011), que atraiu a atenção por causa da postura pró-militar de direita de seu criador Takumi Yanai.

Hoje em dia, o mangá está melhor posicionado do que os quadrinhos americanos para explorar questões políticas, não apenas porque as posições políticas japonesas não se alinham perfeitamente com as categorias ocidentais de esquerda e direita – e não apenas por causa da ampla variedade de posições políticas que o mangá os criadores tendem a pegar – mas também porque os criadores de mangá geralmente não são penalizados por explorar essas questões na ficção ou se recusarem a fazê-lo. Mesmo que, como afirmam alguns críticos , Attack on Titan (serializado de 2009 a 2021) possa ser visto como uma apologia de crimes de guerra, ainda é considerado por muitos como um trabalho sólido que pode ser saboreado independentemente de sua política. Da mesma forma, pode-se ser solidário com a situação dos ishvalanos perseguidos na sérieFullmetal Alchemist (2001–2010) sem saber que esses personagens foram inspirados pelos indígenas Ainu de Hokkaido. Quaisquer que sejam as políticas dos criadores (ou a falta dela ), eles tendem a deixar suas histórias falarem por si mesmas e a evitar forçar suas opiniões goela abaixo do público.

Do outro lado do Pacífico, porém, as coisas são diferentes. Em algum ponto, na América, Marvel, DC e outros começaram a tentar escapar da sombra da censura do ano passado e perseguir temas mais sérios e atuais. Na década de 2010, esse esforço havia se tornado tão pronunciado que muitos fãs e críticos começaram a sentir que se tornara intrusivo ou perturbador, em detrimento da ficção. Cada vez mais, os escritores americanos têm vindo a colocar suas opiniões políticas frente e no centro de suas histórias, com o que muitos vêem como pesada grandstanding junto progressistas (ou acordou linhas). Embora isso possa ser visto como uma tentativa de atrair novos públicos que podem não estar inclinados a ler quadrinhos, também está enraizado em suposições questionáveis: que a indústria estásexista e fanático ; que precisa ser reinventada para melhor representar as mulheres e as minorias; e que qualquer um que esteja segurando esse esforço deve ser golpeado.

Este tipo de conteúdo contemporâneo – carregado com uma agenda pesada – tende a parecer para muitas pessoas como um sinal de virtude enfadonho (quase exclusivamente no modo acordado ou esquerdista americano), que aliena um grande número de pessoas no longo tempo do gênero público, bem como pessoas que encontraram o gênero mais recentemente . Não é coincidência que essa abordagem tenha caminhado lado a lado com o declínio geral da qualidade que o escritor de quadrinhos americano Chuck Dixon e outros notaram, porque os personagens são reduzidos a meros veículos para declarações políticas. Por exemplo, heróis clássicos como o Homem de Ferro estão sendo desajeitadamente reduzidos a alvos caricaturais de ira unicamente por causa de seu status como os chamados homens brancos privilegiados, enquanto a Pantera Negra e outros personagens que os escritores desejam celebrizar são estritamente descritos apenas através da retórica da política de identidade. E muitos autores que estão criando conteúdo como este, como Dan Slott, parecem passar mais tempo desprezando suas credenciais de ativista e assediando – até mesmo atacando – seus fãs de outrora online do que gastando criando conteúdo .

Infelizmente, esse hiperpartidarismo não se limita à Marvel e à DC. Algumas editoras independentes de quadrinhos também estão defendendo uma mentalidade de tudo é político, em que a cor da pele, a sexualidade e a postura ideológica assumem um destaque ainda maior. O problema também não está confinado a apenas um segmento da base de fãs. O movimento ComicsGate , que começou como uma resposta à politização da indústria, transformou-se em um fórum de lutas internas entre escritores conservadores e de esquerda .

O resultado tem sido um ciclo vicioso de animosidade tóxica em que as inclinações ideológicas erradas podem potencialmente tornar alguém o alvo da cultura de cancelamento, ou pior. O foco na hiperpolitização em detrimento da qualidade – e a guerra cultural resultante – contribuíram para diminuir os retornos para a indústria . Se alguém pensa que tudo deve ser político, ou não quer nada com a controvérsia, isso está afastando as pessoas e está muito longe do que Stan Lee imaginou. Isso também não passou despercebido pelos criadores japoneses. Em 21 de julho de 2021, Takeshi Natsuno, presidente da editora Kadokawa, abordou a “ necessidade de redefinir os padrões da era da Internet e determinar o que é aceitável para o público e o que não é, ”Endossando a censura de conteúdo mais explícito para apaziguar as normas ocidentais e, implicitamente, ficar mais de acordo com os quadrinhos americanos. Foi recebido com grande indignação por parte dos fãs, mangakás e até mesmo daqueles dentro da empresa, que temiam que tais movimentos abrissem um precedente negativo para a indústria ou para a liberdade de expressão. Embora Natsuno mais tarde tenha se desculpado após uma pressão significativa , a resistência a tais esforços, no entanto, ilustra uma relutância em comprometer o que tornou o mangá e anime tão bem-sucedido e repetir os erros de seus colegas americanos.

Mudando o curso de uma tempestade perfeita
Esses desafios são ainda mais exacerbados pelo custo crescente dessas publicações. O preço médio de uma edição, seja lançada pela Marvel, DC ou uma das maiores editoras independentes, aumentou tão fortemente que está prejudicando ainda mais o crescimento. Na verdade, esse fenômeno por si só pode explicar por que mais fãs anglófonos estão migrando para o mangá. Com outros fatores colocados em consideração, no entanto, está perto de uma tempestade perfeita.
Algumas das respostas à situação foram contraproducentes. Figuras de destaque, como co-criador Girl Power Gerry Conway tentou ter mangaká levado para a tarefa por sua sexismo supostamente galopante e misoginia. (Mesmo que se ignore a miríade de sucessos das criadoras japonesas , esses ataques são pouco melhores do que os xingamentos de antigamente, na linha de sujos japoneses ou perigos amarelos .) Outros criadores de quadrinhos parecem simplesmente interessados ​​em dobrar para baixo na política. Talvez a maioria deles esteja fazendo isso apenas para se manter financeiramente à tona, ou para aplacar ativistas e evitar o risco de uma reação da guerra cultural contra eles. Mas não está claro por quanto tempo as tendências atuais podem ser sustentadas. Enquanto a indústriaprovou ser suficientemente resiliente em 2020 , quem pode dizer que a sorte vai durar? Mudar o curso não é impossível, entretanto. Por exemplo, Dixon sugeriu que os produtores americanos de quadrinhos poderiam evitar o desastre pegando dicas de seus concorrentes, em vez de antagonizá-los – e antagonizar seu próprio público. Um modelo para o qual eles poderiam olhar é o da França, cuja arte historicamente teve uma grande influência na cultura japonesa. Mesmo que os franceses tivessem sua própria versão do Comics Code Authority nos anos 90, os criadores e fãs franceses passaram a abraçar o mangá da mesma forma que haviam abraçado o Japonismo de antigamente – tanto que o mercado francês de mangá não apenas superou a bande dessinée franco-belgamercado em vendas, mas também transformou a cena de quadrinhos local, dando origem a formas inspiradas em mangás como manfra e nouvelle manga sincrética .

Os EUA não são estranhos a essa abordagem: considere o surgimento de trabalhos com ” arte no estilo Anime “. E a Marvel convidou os mangakás para fazer séries baseadas em sua propriedade intelectual, com sucesso surpreendente . No entanto, essa abordagem não envolve apenas ecoar ou imitar a estética dessas propriedades. Isso se estende à criação de histórias consistentes e envolventes, com personagens interessantes que podem falar por si mesmos. A capacidade de fazer isso não é, de alguma forma, culturalmente exclusiva dos japoneses: conforme demonstrado por empreendimentos de risco, como o Doomsday Clock da DC (de 2017 a 2019), os americanos são tão capazes quanto qualquer outra pessoa de criar obras que refletem a universalidade.
Não é impossível para os quadrinhos da América evoluírem a ponto de poderem ser orgulhosamente iguais aos de seus homólogos do mangá. Não será fácil, entretanto. Enquanto os fatores que tornaram os mangás muito mais bem-sucedidos forem ignorados, aqueles que apenas perpetuam o status quo arriscam mais do que retornos decrescentes ou a hostilidade dos fãs. E a janela de oportunidade para uma mudança positiva não ficará aberta para sempre.

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